Andrei Rublev

1.-La biografía de Andrei Rublev

1.1.-Primeros años de vida

La información biográfica sobre Rublev es extremadamente escasa: lo más probable es que haya nacido en el principado de Moscú en algún momento de 1370, y murió en 1430, en tiempos del Gran Príncipe Dmitry Ivanovich, que reinaba en Moscú y permanecería en la memoria de los rusos con el apodo de Don. No se sabe dónde nació, ni quién fue su maestro en la pintura. En su juventud, sirvió en el Monasterio de la Trinidad, fundado por Sergei Radonezhsky, donde, en una edad madura, tomará los votos monásticos , aparentemente en el Monasterio Trinidad-Sergio.

Andrés es el nombre que se le dio cuando se convirtió en monje. Respecto al apodo Rublev, hay algunas suposiciones. Lo más probable es que no sea un apodo genérico (es decir, apellido), ya que los pintores de íconos que conocíamos en ese momento usaban apodos precisamente personales: Feofan Grek (pintor bizantino que trabajó en Rusia en la segunda mitad del siglo XIV a principios del XV), Simeon Black, 1427, monje del Salvador - Monasterio Andronikov, y así sucesivamente

Hay razones para creer que estuvo en el monasterio Trinidad-St. Sergius Lavra, cerca de Moscú, como novicio de Nikon de Radonezh , que se convirtió hegumen después de la muerte de Sergii Radonezhsky en 1392. Andrés es un nombre monástico; el nombre del mundo es desconocido (lo más probable es que, según la tradición de ese tiempo, también comenzó en A). Su apellido sugiere que venía de artesanos. Rubel es una herramienta para laminar cuero.

 

1.2.-Las fechas principales de su vida

Alrededor de 1360, Andrei Rublev probablemente nació en Rusia central. Según otros, nació en 1365.
Finales de 1390: creación de miniaturas para el libro "El Evangelio de Khitrovo".
Hasta 1405 – Tomó el monasticismo con el nombre de Andrew en el Monasterio de la Trinidad-Sergio. Según otras fuentes - en el monasterio de Andronik.

1405 – La primera obra de Rublev data de 1405, cuando decoró con iconos y frescos la catedral de la Anunciación del Kremlin de Moscú, junto con Teófanes el Griego y Prójor "el anciano de Gorodets”.

Inicialmente Rublev fue ayudante de Teófanes el Griego, importante Maestro bizantino, que se trasladó a Rusia y se considera haber entrenado Rublev . Su nombre fue el último de la lista de maestros, como el junior por fila y por edad. La mención del nombre del maestro al final, según la tradición de entonces, significaba que él era el más joven en el arte. Pero al mismo tiempo, la participación en la orden honorable para la decoración de la iglesia de la casa de Vasily Dmitrievich, el hijo mayor de Dmitry Donskoy, junto con el famoso entonces en Teophanes el griego, caracteriza a Andrei Rublev como un maestro reconocido y autoritario

1408 – Por decreto del gran príncipe de Moscú Vasily Dmitrievich, los pintores Andrei Rublev y Daniel Ikonnikov (Negro) llegaron a Vladimir para restaurar y renovar los frescos de la Catedral de la Asunción. En 1408, la catedral fue pintada con isografías por Andrei Rublev y Daniel Black. El reverendo Andrei Rublev escribió unos 20 iconos para el iconostasio de la Catedral de la Asunción.
Los iconos "Madre de Dios", "Juan el evangelista", "Apóstol Andrés", y "Salvador en el poder", han sobrevivido hasta nuestros días. Después de la restauración, estos íconos fueron incluidos en las colecciones de la Galería Estatal Tretyakov y el Museo Estatal Ruso.

Alrededor de 1411 (según otras fuentes 1427) - Icono "Trinidad".

Entre 1408-1422 - Creando el rango de Zvenigorod.

Entre 1422-1427, junto con Daniel Black, dirigió el trabajo sobre la pintura y la creación del iconostasio de la Catedral de la Trinidad del Monasterio de la Trinidad y San Sergio.
El celebérrimo ícono de "La Trinidad" es la obra más famosa de Rublev. Rublev representó a tres ángeles que, según el relato bíblico, fue la forma que tomó Dios para aparecer ante Abraham y Sara, en Mambré.
Rublev omitió detalles excesivos. Como en todas sus obras, “La Trinidad" se caracteriza por la representación de las imágenes más significativas.

1427-1430 - Los últimos años de su vida, Andrei y Daniel los pasaron en el monasterio de Andronikov, trabajando en la pintura de la recién construida Catedral del Salvador del monasterio del Salvador-Andronikov, en Moscú, concretamente en el mural de la catedral.

Desafortunadamente, con la excepción de dos fragmentos ornamentales, estas obras de ambos maestros no se conservaron. En un manuscrito del siglo XVI hay una miniatura que representa al monje mientras trabajaba en la imagen del Salvador en la pared de la Catedral del Salvador del monasterio de Andronikov.

29 de enero de 1430 - murió y fue enterrado en el monasterio de Salvador-Andronik.
En la vida de St. Nikon de Radonezh se dice que Andrei Rublev vivió con el pelo gris. Sin embargo, la fecha exacta de su muerte es desconocida. La tradición monástica, dice: "Andrei primero descansó, luego su compañero, Daniel, sufrió, y en su hora de muerte vio a Andrei con gran gloria y alegremente llamándolo a la felicidad eterna e infinita".
Ambos pintores de iconos fueron enterrados en el monasterio de Andronik, cerca de la catedral del Salvador. Su memoria durante los siguientes tres siglos estuvo rodeada de profunda reverencia. En el servicio divino monástico, San Andrés fue conmemorado el 4 de julio, el día de San Andrés de Creta. En las miniaturas de los manuscritos del siglo XVI, Andrei ya estaba representado con un halo.

1551.- por iniciativa del Soberano Iván IV Vasilyevich y del Metropolitano Macario, se convocó un consejo en Moscú, llamado Stoglavy Sobor. En sus decisiones (100 capítulos) se escribieron las reglas de la vida eclesiástica del país. Las decisiones de Consejo reconocieron al reverendo Andrei Rublev como igual a los pintores de iconos griegos más famosos que formaron el canon de la iglesia, y ordenó "pintar iconos a pintores de imágenes antiguas, como escribieron los pintores griegos y cómo escribió Andrei Rublev".

El Stoglavi Sobor promulgó el estilo del icono de Rublev como modelo para la pintura de la iglesia y esta recomendación hizo que las obras de Rublev fueron copiadas de muchas maneras por las siguientes generaciones de pintores de iconos. Incluso ahora es casi imposible encontrar un templo en Rusia donde no hubiera un rango con su "Trinidad”.

A finales del siglo XVI, se compiló el original de la pintura de iconos de Stroganov, en la que Andrei Rublev se llamaba reverendo, y se dijo su obra: “se escribieron muchos iconos sagrados, todos milagrosos”.
Siglos XVIII - XIX se convirtió en la época del olvido de muchas tradiciones ortodoxas. La iconografía canónica fue reemplazada por "zhimonimy", y luego la pintura académica. Íconos antiguos, incluidos los de Rublev, se oscurecieron bajo una capa de aceite de secado viejo; se registraron en la parte superior con nuevas imágenes y, a menudo, se destruyeron debido a la descomposición. Llegó al punto en que la tumba del monje en el Monasterio Spassky fue olvidada y arrasada.

1959.-el Museo de Andrei Rublev en el monasterio de Andronikov tiene muestra su y relacionados con el arte.
1966.-Andrei Tarkovsky hizo una película Andrei Rublev, basada libremente en la vida del artista. Esto se convirtió en la primera (y tal vez única) película producida en la época soviética para el tratamiento de la artista como una figura mundo-histórica y el cristianismo como axioma de la identidad histórica de Rusia, durante un período turbulento en la historia de Rusia.
1988.-La iglesia ortodoxa rusa canonizó Rublev como un Santo en, celebra su fiesta el 29 de enero y el 4 de julio. el calendario litúrgico de la Iglesia Episcopal en los Estados Unidos de América, recuerda Rublev el 29 de enero.

2.-Legado

El apóstol Pavel Andrei Rublev es un nombre que se convirtió en un símbolo de la Santa Rusia, un símbolo del incomparable arte antiguo ruso, un símbolo del gran hombre ruso, como puede y debe ser. Las imágenes de Rublev nos traen recuerdos de la vida perdida del paraíso, de la paz perdida, de la felicidad y de la armonía con el universo. Aunque incomprensible para el hombre moderno, la pureza, la sabiduría y la espiritualidad se manifiestan en cada una de sus escasas obras que han sobrevivido hasta nuestros días.

Sus ángeles, Jesús, las Theotokos… parecen sanar nuestras almas, llevándola a un mundo de paz, bondad y amor. En las obras de Rublev, así como en las obras de Pushkin, los sueños de los rusos sobre la bondad del hombre, sobre el ideal de belleza humana, se expresaron con la mayor claridad. La era de Rublev fue la era del renacimiento de la fe en el hombre, en su fuerza moral, en su capacidad de autosacrificio en nombre de los más elevados ideales.

El nombre de Andrei Rublev se hizo legendario a partir de sus trabaos en el siglo XV, y fue preservado por la memoria de la gente, y a menudo se asoció con diferentes obras cuando querían destacar su destacada importancia histórica o artística.

Gracias a la restauración, a la liberación en los iconos de capas posteriores ajenas al autor, fue posible aprender la verdadera pintura del maestro. En paralelo con los descubrimientos de la restauración, se acumularon fuentes históricas, que comenzaron a utilizarse para la investigación sistemática de las obras de Andrei Rublev. Por eso, puede decirse que el descubrimiento original de la pintura Rublev tuvo lugar en el siglo XX.

El trabajo de Rublev ha influenciado a muchos artistas posteriores y es considerado uno de los artistas más respetados de la Edad Media.También por los destacados representantes del mundo del arte.

3.-Obra singular

La más famosa obra de Rublev es el icono "Trinidad". La "Trinidad" estuvo oculta durante mucho tiempo, bajo varias capas de otras pinturas. Finalmente, ha sido limpiada en 1904, y en ese momento los expertos comenzaron a analizar el estilo de escritura de Rublev. El único trabajo autenticado como enteramente suyo es el icono de La Trinidad (a. 1410, actualmente en la galería  Tretyakov, Moscú). Se basa en un icono anterior conocido como la "hospitalidad de Abraham" (que ilustra  Génesis 18). Rublev quitó las figuras de Abraham y Sarah de la escena y a través de un uso sutil de la composición y simbolismo cambió de tema para centrarse en el misterio de la Trinidad.

En el arte de Rublev se combinan las dos tradiciones: el más alto asceticismo y la armonía clásica del manierismo bizantino. Los personajes de sus cuadros son siempre pacíficos y tranquilos. Después de algún tiempo su arte vino a ser percibido como el ideal de la pintura de la Iglesia oriental y de la iconografía ortodoxa.

4.-La obra de Rublev

En 1408, el gran príncipe de Moscú, Vasily Dmitrievich, invitó al ya famoso pintor de iconos Andrei y su amigo Daniil Black a pintar la Catedral de la Asunción en Vladimir de nuevo.

4.1.-El iconostasio de la Catedral de la Asunción de Vladimir

Incluye íconos de Deesis, filas festivas y proféticas. De acuerdo con el tamaño de la catedral, el iconostasio es uno de los más grandes que tenemos. Así, los íconos de Deesis (once de ellos en la colección de la galería) tienen una altura de 3.14 m.
La composición y composición del iconostasio del viejo rusia se desarrollaron en suelo moscovita a finales del siglo XIV y XV, y en esto se ve el mérito de Teófanes los maestros griegos y rusos. que perteneció a Andrei Rublev.

El Vladimir Deesis es un conjunto estilísticamente integral de un solo ritmo solemne épico, perfectamente correlacionado con la escala del interior y la composición de las imágenes al fresco. La solución colorística de Deesis es armónicamente clara. Los colores tranquilos, sin complicaciones puros son perfectamente consistentes con la entonación general sublimemente iluminada.

El diseño ideológico de la composición de Deesis (en griego, Deesis significa oración de intercesión) se asocia con el tema del Juicio final y refleja la idea de intercesión y oraciones de santos para la raza humana ante el Salvador. El programa del Juicio Final en los frescos de la Catedral de la Asunción se resolvió con una penetración especial. El vasto espacio del templo está lleno de imágenes de sublime belleza y nobleza. En la deesis icónica, correlacionada con las imágenes del conjunto del fresco, las características individuales del Salvador y las que se presentan en la oración ante los santos se señalan, como si estuvieran fortalecidas.

 

Salvador en majestad 
El ícono central de la Deesis, El Salvador en majestad o en los poderes, representa a Jesucristo con el texto abierto del Evangelio, sentado en el trono. Enmarcando a Cristo, un diamante rojo, un óvalo verde azulado y un cuadrángulo rojo simbolizan su gloria y fuerza , celestial (en el óvalo) y terrenal (los símbolos de los cuatro evangelistas en las esquinas del rombo). El icono del Salvador, como la mayoría de los íconos del iconostasio, fue repetidamente actualizado, prescrito y fortalecido o enriquecido con nuevos detalles. La restauración del monumento reveló el trabajo del autor con parches insertados en la nueva superficie y un roce completo de la pintura original con pérdidas de las delicadas capas superiores transparentes (glaseado). Pero gracias a la minuciosidad tecnológica del monumento, perfectamente ejecutada por la pintura multicapa del rostro, el espectador moderno, a pesar del estado del icono, es capaz de comprender la profundidad y nobleza sublime de la imagen, apreciar los tonos claros y suaves, y su ritmo solemne.

La majestuosidad de la imagen del Salvador en conjunción con la suavidad espiritual nos permite ver representado el ideal nacional ruso, fundamentalmente diferente del griego, cuya presencia es tan palpable en los monumentos del período pre-serbio. En la cara expresiva del Salvador, el espectador notará fácilmente las características étnicas eslavas. Los sentimientos de sus compatriotas sobre la justicia, pisoteadas en la vida real, fueron encarnadas en su imagen.

La parte media del nivel de Deesis: el arcángel Miguel, la Madre de Dios, el Salvador en las Fuerzas, Juan el Bautista, el arcángel Gabriel.

Los santos que rezan ante el Salvador, presentados en otros iconos, están llenos de fe en un juicio justo. Para cada personaje, se encuentran características sorprendentemente penetrantes que no violan la unidad de entonación de todo el conjunto. La capacidad de mantener un único sentimiento emocional en grandes grupos de figuras es una de las características de la obra compositiva de Andrei Rublev.

En la imagen de la Madre de Dios, el carácter amplio y monumental se acentúa por una silueta que fluye fluida, apenas rota por el gesto acentuado de las manos extendidas en oración. Toda la imagen está impregnada de una oración mansa y triste, pura intercesión por la raza humana.

A la imagen de Juan el Bautista, la atención se centra en el tema del dolor majestuoso, “llanto espiritual” , según una antigua expresión. Juan llama al arrepentimiento, tal como lo describe una gran inscripción en el rollo desplegado en su mano.

La larga tradición que dice que a Jesucristo (salvador) le adoran los "poderes celestiales" justifica la presencia en la composición Déesis de los dos arcángeles, Miguel y Gabriel.
En las pinturas de Andrei Rublev, las imágenes de los ángeles tienen un significado especial. En el fresco de la catedral de la Asunción, en Vladimir, muchas caras de ángeles son de excepcional belleza.

Juan el Evangelista y Andrés, el primer llamado, Gregorio el Grande y Juan Crisóstomo se vuelven  confiadamente hacia el Salvador. En la imagen de Gregorio Magno, sabio con la experiencia de una larga vida, se denota majestad combinada con mansa calma y consideración.

La decoración real del color del rango Deesis se encuentra en las áreas de cinabrio rojo, dispuestas en ciertos lugares y con un cierto cálculo, diferentes en área y configuración. Es el marco de formas geométricas del Salvador en el trono, en el centro; y la capa de los grandes arcángeles; y las manchas estrechas pero expresivas en los iconos de San Gregorio, el Teólogo y Juan Crisóstomo.

La serie festiva, que se encuentra por encima de la Deesis, que ilustra los eventos evangélicos, no se ha conservado por completo. Los cinco iconos existentes: "La Anunciación", "Descenso a los infiernos", "Ascensión" (reunión GTG), "Candelaria" y "Navidad", son generalmente atribuidos al taller de Andrei Rublev y Daniel Chernoy.

 

El icono "Ascension" se destaca con la ejecución más perfecta, y por muchos investigadores se atribuye al propio Andrei Rublev. Desplegado en un espacio relativamente pequeño de la imagen del icono de la superficie del Cristo ascendiendo en el mundo celeste en un círculo de gloria, acompañado de ángeles con gracia en alza, emociona la grandeza del momento. Son memorables las figuras de los dos ángeles que están de pie en medio de los apóstoles vestidos de blanco, apuntando con las manos hacia la evidencia del milagro que está sucediendo.

En la parte superior del paisaje montañoso, pasando del fondo del empleado, los fragmentos de árboles con una exuberante dosel, como si iluminado luz mística y parpadeantes destacados azul-blanco-rojo de los frutos o flores. La imagen de estos árboles se correlaciona con la idea del "árbol vivificante", uno de los símbolos antiguos de Cristo y la Resurrección. Naturaleza, representado como un acontecimiento cósmico para responder al evento, el artista retrata con la comprensión de las antiguas identificaciones simbólicas enraizadas en una antigüedad precristiana profunda.

Sobre el fondo de túnicas claras de ángeles en el centro del grupo se encuentra la figura de la Madre de Dios. gestos de las manos hacen hincapié en su condición: el brazo izquierdo con la mano abierta como si estuviera en contacto con la energía divina que llenará el espacio, la mano derecha en un gesto de la conversación se volvió hacia el lado del apóstol Pedro, que se extiende gradualmente su mano en la misma posición. En los lados de la Madre de Dios, los apóstoles, llenos de gozo sublime, contemplan el milagro de la Ascensión. Vale la pena señalar la similitud tipológica de las caras del icono con imágenes similares en frescos y deesis. En el conjunto de 1408, la mayoría de los personajes adquirieron esas características, que, en el futuro, estarán determinadas por el tipo Rublev.

El ícono "Ascensión", como ningún otro de los íconos festivos de múltiples figuras, tiene una organización de composición rítmica especial. Aquí, el sentido de armonía y equilibrio plástico de Andrei Rublev apareció. El color del icono es diverso debido al matiz de cada tono. Los pintorescos planos de los tonos principales están animados por la riqueza del patrón de modelado superior y el esmalte.

 

4.2.-"El Rango Zvenigorod"

El Príncipe de Zvenigorod, Yuri Dmitrievich, el hijo de Dmitry Donskoy, invitó a Andrei Rublev a pintar la recién construida Catedral de la Asunción, en Zvenigorod

 

 

El resultado del trabajo de Andrei Rublev es el llamado "Rango Zvenigorod", uno de los conjuntos de iconos más bellos de la pintura de Rublev. El “rango” consiste en tres iconos: el Salvador, el Arcángel Miguel y el Apóstol Pablo, que ahora se encuentran en la Galería Tretyakov.

 

El icono central de la orden de Deesis "Cristo Todopoderoso", a pesar de la gran pérdida de la capa de pintura, puede considerarse el pináculo en la imagen de Jesucristo en toda la pintura de iconos rusa. Ante el Salvador, Andrei combinó maravillosamente fuerza y amabilidad, majestad y humanidad. Los rasgos faciales pequeños, típicamente rusos, están llenos de amor y paz. La combinación de nobleza y sencillez es una característica del periodo de mayor madurez del maestro  Andrei Rublev

Se pintaron en Zvenigorod, cerca de Moscú, que en el pasado fue el centro del principado. Tres iconos que probablemente fueron parte de una Deesis de siete cuadros. De acuerdo con la tradición establecida, en ambos lados del Salvador aparecen colocados la Virgen y San Juan Bautista, en el icono de la derecha aparecería el icono pareja del arcángel Miguel, es decir el arcángel Gabriel; por idéntico motivo, combinando con el icono del apóstol Pablo tuvo que estar la imagen del apóstol Pedro.

En cuanto a este grupo de iconos, la autoría de Andrei Rublev, por desgracia, no está confirmada por ninguna de las fuentes escritas que nos han llegado. Una vez restaurado el rango, I. Grabar, atribuyó los iconos a Andrei Rublev. Esta atribución, que fue unanimemente aceptada por los estudiosos del artista, se confirmó también por referencias históricas. Resultó que el propietario previsible del rango, Yuri Zvenigorodsky, era conocido por sus conexiones con el Monasterio Trinidad-San Sergio; él mismo era el ahijado del monje Sergei de Radonezh. Es lógico suponer que Andrei Rublev, que trabajaba en el Monasterio de Santa Trinidad-San Sergio, se aprestaría a ejecutar la orden de ese gran mecenas, que era también el fundador del monasterio. 

El rango "Zvenigorod" combina un alto valor artístico con profundidad de contenido figurativo. En su suave tono íntimo, "tranquilo", la luz de su color es sorprendentemente afín con el estado de ánimo, casi poético, del entorno del paisaje de Zvenigorod. En el rango de Zvenigorod, Andrei Rublev se revela como maestro establecido que ha alcanzado el vértice de su maestría, ya establecida desde sus pinturas, en 1408, en la catedral de la Asunción, en Vladimir.

El icono central de los "Spas" (el Salvador) de las Deesis está marcado por un significado especial, por una profundidad infinita e inagotable de su contenido. Zvenigorod "Spas" parece perder una cierta abstracción de imágenes de la deidad y aparece humanizado, inspirando confianza y esperanza. Rublev da a Cristo características y apariencias rusas, en particular en la composición del rostro: la claridad, la buena voluntad, la participación activa. A pesar del escaso fragmento conservado, la impresión de la imagen es tan plena y completa que trae a la mente la totalidad del icono, como si fuesemos capaces de verlo por entero a través del expresivo rostro yla mirada de los ojos.

Volviendo a la imagen del Arcángel Miguel, debe notarse su cercanía al círculo de imágenes angelicales en los murales de la Catedral de la Asunción de Vladimir. La gracia y el circuito de la flexibilidad, la proporcionalidad de movimiento y reposo, transmite sutilmente un estado reflexivo y contemplativo. 

La solución pictórica del icono es excepcionalmente hermosa. Los tonos rosadosque prevalecen en la decoración personal se ven ligeramente reforzados por una salpicadura rosada a lo largo de la línea de la nariz. Los labios delicados y ligeramente hinchados, escritos de un rosa más intenso, parecen concentrar este tono dominante. Su cabello en rizos suaves que enmarcan la cara, da un tono más cálido a la escala, que es consistente con el surtido dorado de alas de ángel pintadas con ocre brillante, y con fondo dorado.

La cinta de color azul turquesa en el cabello, como impregnado de luz, se teje en esta escala de oro como la impregnación del esmalte noble. Con ella, aparece el tono azul, más apagado en las alas (paletas) y en las pequeñas secciones del quitón con el hombro dorado. Pero en el fondo inicial en la pintura del icono (es decir, toda pintura, excepto la cara, aquella que primero se ha escrito, antes de la cara) vuelve a ser rosa. Este es el tono del gimety angelical, arrojado sobre los hombros y cubierto con exquisitos pliegues. Llena la mayor parte de la superficie pinttada un tono rosado,  modelado expertamente por pliegues blanqueados, acentuados por el patrón superior del tono condensado de color rosa coral. La solución colorística de este ícono, que conecta tonos dorados, rosas y azules, con fondos enriquecidos en oro, adornos y una eclosión variada de alas de ángel, coincide idealmente con la imagen del arcángel, cuasi-dios celestial.

Apóstol Pablo (de Zvenigorod)

El tercer personaje del rango, el apóstol Pablo, aparece en la interpretación del maestro bastante diferente de lo que se suponía que debía representar en el círculo del arte bizantino de esta época. En lugar de la energía y la determinación de la imagen bizantina, el maestro reveló las características de la profundidad filosófica, la contemplación épica. La ropa de vestir con su color, el ritmo de los pliegues, la sutileza de las transiciones tonales aumenta la impresión de belleza sublime, calma, armonía iluminada y claridad.

4.3.-"La Trinidad”

Los años subsiguientes de la vida del pintor de iconos se asociaron con el Monasterio de la Trinidad-Sergio. Andrei se mudó allí por invitación del Hegumen Nikon Radonezhsky, que se encontraba muy angustiado porque la recién construida Catedral de la Trinidad no estaba decorada con pintura, y quería ver el ícono "en alabanza de Sergio de Radonezh" mientras aún estuviera vivo.
Cuando trabajaba en ello, el monje apeló al gran maestro Sergio de Radonezh, para que con sus oraciones ante el Señor lo ayudara a glorificar el Nombre de la Santísima Trinidad ante los ángeles y las personas. La contemplación de la imagen de la Trinidad, según su plan, debería llenar el alma de gran paz y amor: "para que la lucha odiada de este mundo sea vencida  por esta imagen".

La Galería Tretyakov alberga la obra más famosa de Andrei Rublev, la famosa "Trinidad". Creado en el mejor momento de su fuerza creativa, el icono es el pináculo en el arte del artista. En tiempos de Andrei Rublev el tema de la Trinidad encarnaba la idea de un Dios trino (Padre, Hijo y Espíritu Santo) que era visto como el fundamento de lo mejor del carácter del ser universal: la verdad suprema, el símbolo espiritual de la unidad, la paz, la armonía, el amor mutuo y la humildad, la disposición a sacrificarse por el bien común. Sergio de Radonezh fundó un monasterio cerca de Moscú, con el nombre de la Trinidad.

El argumento  de "La Trinidad" es la historia bíblica del encinar de Mambré.  A ella hemos dedicado varias páginas en este mismo sitio de "rezar con los iconos" donde podrá contemplar un estudio  completo sobre este “icono de los iconos”…La Trinidad

5.-El tiempo de RUBLEV

5.1.-Entorno historico

En la cultura rusa del siglo XIV, se encuentra no solo el crecimiento de la autoconciencia nacional y el fortalecimiento del estado, sino también un fenómeno que a primera vista puede parecer el opuesto a ella. Se trata del florecimiento de la vida monástica (es interesante observar que entre 1340 y 1440, se fundaron en Rusia hasta 150 monasterios nuevos).

El monasterio ruso del siglo XIV recuerda poco a los bizantinos. Era un organismo económico fuerte y muy vital. Los monjes que vivían en ella, por regla general, estaban comprometidos en el trabajo físico. En su vida, el trabajo se alternaba con la oración, y por qué la oración en sí no era tan abstracta y metafísica como en Bizancio. Los elementos de la vida contemplativa y activa se combinaron tan estrechamente entre sí que esto no pudo sino imponer su profunda huella no solo en la vida monástica, sino también en los ideales que se basaban en ella.

La conexión del monasterio ruso del siglo XIV con la vida se manifestó especialmente en las actividades de Sergio de Radonezh (1322-1392), uno de los inspiradores ideológicos de la batalla de Kulikovo, contra el enemigo implacable de las guerras civiles entre príncipes que impedían la reunión de las fuerzas nacionales. En 1385, Sergio, que entendió perfectamente el daño de estas rencillas se propuso reconciliar a Dmitry Ivanovich con el príncipe de Riazán, Oleg Ivanovich

Dmitry Ivanovich visitó a Sergio en su monasterio para recibir una bendición de despedida antes de salir para la batalla. Sergio le dio como asesores a dos de sus monjes, expertos en asuntos militares, Peresvet y Oslyab. En el campo de batalla, Sergio envió una carta a Dmitry Donskoy animándole: "Sin ninguna duda, señor, vaya contra ellos y, sin entregarse al miedo, espero firmemente que el Señor lo ayude". Al regresar a Moscú, Dmitry Ivanovich visitó nuevamente a Sergio en su monasterio para agradecerle el consejo que les dio.

La victoria en el Campo Kulikovo (8 de septiembre de 1380,) supuso un importante punto de inflexión en la mente de la gente de esa época. Después de la batalla de Kulikovo, la fe en el brillante futuro de Rusia comenzó a extenderse cada vez más entre la gente: mostró lo que es capaz el pueblo ruso, cuando se enfrenta unido en la lucha contra el enemigo común; proporcionó una posición de liderazgo para los príncipes de Moscú, que se convirtieron en los unificadores más activos del país; promovió el crecimiento de la autoconciencia nacional.

Todas las fuentes literarias antiguas y nuevas afirman unánimemente que Andrei Rublev era un monje. Pasó sus años jóvenes, posiblemente, en el famoso Monasterio de la Trinidad, fundado en 1345 por Sergio de Radonezh, a pocos kilómetros de Moscú,. Más tarde, Rublev vivió en el monasterio de Moscú Andronik, fundado por uno de los alumnos más cercanos de Sergio, el Reverendo Andronik. Fue en este ambiente donde se formó la cosmovisión de Rublev.

Se sabe que Andrei Rublev, nacido alrededor de 1370, trabajó repetidamente para el Gran Príncipe de Moscú, Vasily Dimitrievich, el hijo del héroe de la batalla de Kulikovo, Dmitry Donskoy, que su cliente era el segundo hijo de Donskoy, el brillante comandante Yury Zvenigorodsky, Al entrar en contacto con las mejores personas rusas de su tiempo, sin separarse nunca de la gente, de sus sentimientos y pensamientos, sus tristezas y alegrías, Rublev tenía que ser especialmente consciente de la necesidad de crear un arte que respondiera a nuevas demandas. Y logró traducir este deseo en formas tan originales y artísticamente perfectas.

5.2.-Lo original en Andrei Rublev

El estudio de la creación de Rublev se hizo posible sólo después de que se aprendiera a limpiar los iconos antiguos, ocultos durante siglos bajo las capas de grabaciones posteriores y aceite de linaza oscuro. De hecho, en el siglo XIX no se conocía ni una sola obra genuina salida de su pincel liberada de dichas grabaciones. Sólo la divulgación del icono de la Trinidad en 1904 sentó las bases para el estudio científico del patrimonio artístico de Rublev.

La principal dificultad para estudiar la obra de Rublev radica en el hecho de que ni de él mismo ni el "viejo Prokhor de Gorodets" y el "icono de Danilo" que trabajó con él, llegaron a firmar una sola obra como exclusiva. El único punto de partida más o menos sólido al recrear la imagen creativa de Rublev es el icono de la Trinidad.

Pero este icono ha sido reescrito al menos tres veces. En este estado de cosas, es extremadamente difícil establecer una clara distinción entre las obras de Rublev y Prokhor, que trabajaron junto con Gorodets y Daniel. Dificultad que aumenta porque en la Edad Media prevaleció la forma de trabajo de taller: el maestro dirigía un gran taller que llevaba a cabo colectivamente el pedido. También hubo casos en los que varios maestros trabajaron en un ícono (uno escribió fondos, otra figura, etc.). En Rusia, la forma de trabajo artel se mantuvo especialmente larga. Es por eso que la clasificación de los antiguos iconos y murales rusos por los maestros individuales es tan complicada.

Los años 90 del siglo XIV fueron decisivos para el crecimiento de Andrei Rublev. En esta época, Moscú vivió una intensa vida artística. El arte bizantinizante floreció dentro de sus muros, no solo los griegos, sino también los maestros eslavos del sur que huían de los turcos, así como los teófanes griegos, trabajaban en él. Feofan fue el artista que más impresionó al joven Rublev. Por no mencionar el hecho de que trabajaron juntos en 1405, uno al lado del otro.

Teófanes fue el gran artista, cuyos encantos tan poderosos eran difíciles de resistir. Introdujo a Rublev a las mejores tradiciones monumentales de la pintura bizantina, afiló su extraordinario don colorista, le enseñó nuevas técnicas compositivas, fue su predecesor directo en la creación de la forma clásica del iconostasio ruso.

Como se sabe, Bizancio no conocía el alto iconostasio, no los conoció hasta la era de Teófanes y Rublev. Entre los bizantinos, la barrera del altar, llamada templón, consistía en un máximo de tres filas de iconos.

El desarrollo del iconostasio en suelo ruso se desarrolló de manera diferente. Comenzó a crecer rápidamente en amplitud y altura, y si no forzaba el fresco, entonces, en cualquier caso, comenzó a desempeñar un papel dominante a partir del siglo XV. La pintura monumental sobre madera tomó en Rusia a través de los esfuerzos de Theophanes the Greek y Andrei Rublev en el mismo lugar que el panel monumental pintado sobre lienzo en Venecia.

5.3.-Rublev y la cultura de su tiempo.

Rublev vivió en un momento en que la sociedad rusa obedecía estrictamente el orden jerárquico, lo que se hacía sentir resueltamente en todo, incluido el arte Cada gran artista de esa época tenía que trabajar en el orden de los líderes sociales. Los clientes Rublev era el Gran Duque Vasily Dmitrievich, rector del Monasterio de la Trinidad Nikon, Tal vez incluso el príncipe Yury Zvenigorod. Sólo estas personas tenían los medios para crear importantes y grandes monumentos de arte. Y esto llevó irresistiblemente al hecho de que el arte se convirtió en el privilegio de la élite social.

Hubo discrepancias significativas entre la escuela Novgorod y Rublev. La " Trinidad " del llamado " Icono de cuatro partes " de la Iglesia de San Juan en Novgorod (el Museo Estatal Ruso) es una representación de la apariencia de personas de una enorme y poderosa deidad, acompañada por compañeros obedientes a su voluntad. En el ícono de Novgorod no hay rastro de la "armonía trinitaria" del mundo, la jerarquía, la composición piramidal, la subordinación de lo menor a lo más grande que domina en él, y solo la brillante y variada coloración priva al ícono del increíble poder del ídolo.
Aparentemente, las discrepancias entre Rublev y el arte de las clases más bajas eran entonces una necesidad histórica. Esto no significa que una corriente prevaleciera sobre la otra y suplantara a la otra. La lucha ideológica y política se trasladó al arte solo mucho más tarde, en los siglos XVI - XVII, cuando la iconografía misma empieza a perder los signos del arte. En la época de Rublev y Dionisio, no conocemos un caso de intervención directa de las autoridades en la vida del arte y, por lo tanto, si existía el antagonismo entre direcciones, no entraba en una lucha abierta. Verdaderamente ese momento fue favorable para que existiera el arte del artesano popular y para que la obra inspirada de Rublev pudiera elevarse por encima de ellos.

5.4.-El valor artístico de la creación de Rublev.

El "hombre simple" sin educación era, por supuesto, inaccesible a toda la riqueza de valores espirituales que Rublev puso en su obra maestra, pero no podía permanecer indiferente ante la incomprensible belleza y la belleza del icono.

Los íconos y pinturas de Rublev fueron diseñados para decorar los templos. Los temas de su pintura fueron tomados de la Sagrada Escritura, sus obras participaron silenciosamente en el culto ortodoxo.
Por supuesto, Rublev sirvió con su arte a aquello en lo que creía piadosamente, y esta fe le abrumó y le inspiró a una verdadera hazaña creativa. Pero esto sólo no determina la esencia de lo que ha surgido en sus manos. Con su arte, Rublev sirvió a la iglesia y, al mismo tiempo, siempre fue un artista, un genio artístico. Su arte es como una canción inspiradora, una visión emocionante, una profecía. Estaba abierto a la verdad, a la idea del destino del hombre, a su bondad y belleza.
El valor de Rublev no radica en el hecho de que con su pincel y sus pinturas transmitió lo que los padres de la iglesia ya habían expresado ante él. Rublev expresó en pintura lo que nadie más había expresado o pensado antes de él. Cada icono de él es un himno solemne, es una alabanza, es una oración. No hay palabras que puedan sustituirlo.

En su arte, Rublev tocó todo lo que, según los puntos de vista de su época, debería ser el tema del arte: el mundo del cielo y la tierra, divino y humano. Y en su actitud hacia estas áreas, descubre rasgos que lo distinguen de otros artistas.

 

5.5.-Simbolismo medieval y alegoría

Rublev encantó al hombre moderno principalmente con sus colores y formas, y por lo tanto, para él fue una gran sorpresa cuando se descubrió que en su arte, además de sus méritos pictóricos, el simbolismo juega un gran papel. La consideración de su "Trinidad" llevó a la conclusión de que cada objeto presentado en ella tiene su propio subtexto. Los textos antiguos y las fuentes literarias ayudan. descubrir su significado oculto Debido a esto, el arte de Rublev fue clasificado como simbolismo medieval, y esto marcó una marcada distinción entre Rublev y Renacimiento.

Pero la palabra simbolismo no es suficiente para entender el lenguaje artístico de Rublev y sus diferencias con el Occidente medieval. Allí, hasta el Renacimiento, prevaleció el lenguaje alegórico. Cada artículo tenía su propia clave específica:

un perro significaba lealtad,
un clavel - matrimonio,
un viticultor -  el mes de marzo,
un león - Cristo,
un unicornio -  la Madre de Dios,
un esqueleto - la muerte,
el árbol - el árbol de la vida, la cruz,
una montaña - lugar de las teofanías,
una mandorla  - el universo,
el sol - Cristo, sol de justicia
un cordero - Cristo, el cordero de Dios
un pastor - Cristo, el buen pastor
una nave - la Iglesia
un ancla - símbolo de la esperanza cristiana
etc.

Cada alegoría tenía su propia pista, y esta pista estaba fuera de ella. En Rublev se pueden encontrar elementos de alegoría, pero lo más importante de él son los símbolos. La imagen de él no sólo reproduce un determinado objeto: también tiene un segundo significado más amplio, que se revela en el proceso de contemplar la imagen. El símbolo no es tan limitado como la alegoría, a veces menos distinto de lo que es, pero puede recibir un amplio significado, y dirige la atención del espectador a la esencia misma de las cosas. En las alegorías, la razón está más involucrada; en los símbolos, más imaginación.

En el arte de Rublev el símbolo prevalece, y esto le da gran profundidad. El círculo en la pintura de Rublev siempre ha sido de gran importancia, pero no se puede reducir a una sola tecla. Él es el sol, y la eternidad, y la unidad, y el cielo, y el amor, y mucho más. Las pinturas también tenían su propio significado conocido: luz blanca, llama roja, juventud verde y similares.

5.6.-Estética de Rublev

Hablando de la estética de Rublev, es necesario recordar que en su medio se conocían las obras de los pensadores de la antigüedad tardía, en particular las obras de pseudo-Dionisio Areopagita. Es poco probable que fueran cruciales en la formación de sus puntos de vista. Sin embargo, conocerlos podría servirle de apoyo a lo que él mismo, como artista, buscaba en el arte.
La mayoría de los contemporáneos de Rublev obedientemente, casi mecánicamente, "cancelaron" los cánones iconográficos. Mientras tanto, Rublev buscó crear como una comprensión de la verdad, adivinó los secretos del universo en formas visibles de la realidad y, por lo tanto, en la enseñanza de Pseudo-Dionisio, tuvo que atraer la confianza de que lo invisible se conoce a través de lo visible, que creó la belleza es un reflejo de la belleza no creada, que La luz celestial cae sobre las cosas terrenales. También fue cercano a él que Pseudo-Dionisio reconoció que en el mundo hay movimiento y paz, separación y unidad, atracción hacia el otro y hacia uno mismo.

Rublev fue capaz de dar a la iconografía un profundo significado filosófico, ya que, de acuerdo con Pseudo-Dionisio, cada objeto tiene, además un significado directo y alegórico: la copa sobre la mesa es el tazón de la muerte; la comida es el trono; la montaña es la altura del espíritu; las alas son tan grandes como el cielo; y así sucesivamente. No se esforzó en la reproducción exacta del sujeto y se limitó a imágenes metafóricas que ayudan a comprender la conexión de los fenómenos.

Si Teófanes en sus frescos de Novgorod ganó la libertad del gesto del artista, sus contornos y reflejos son duros como golpes, intensos, apasionados. En las obras de Rublev, el ritmo de ejecución es más lento y, en consecuencia, hay más suavidad y flexibilidad en sus contornos. La belleza de la cabeza del ángel del rango de Zvenigorod no sólo es proporcional a sus características, sino también en lo que adivinamos: estas características, el contorno fino de la nariz y los tres arcos, el contorno de las cejas y las cuencas de los ojos y las pestañas se colocan de forma fácil y natural gracias al pincel del artista.

Desde el punto de vista del mundo, Rublev tenía mucho amor, compasión y afecto. Esto explica que, en su arte, motivos e imágenes tomados directamente del mundo real, como el árbol tristemente marchitado, la cara sonriente de un ángel trompetista, la mano graciosa de un ángel, o los colores de un claro día de verano encuentren por sí mismos el acceso a la "Trinidad”.

6.-Rasgos característicos de la pintura de Rublev

En las pinturas de Rublev, el contorno jugó un papel importante. El contorno nunca cierra los bordes de los objetos, no los limita. El ritmo flexible y fluido de los contornos le permitió expresar su idea de la variabilidad, el movimiento, la flexibilidad de los cuerpos humanos, la suavidad de los pliegues de la ropa, de toda la emoción de la vida.

La selección de líneas redondeadas lo ayudó a dar paso a su anhelado deseo de revelar en forma viva y orgánica la exactitud de los cuerpos geométricos y, sobre todo, su participación en la forma de un círculo.

El arte de Rublev está imbuido del deseo de fusionar la estética del sentimiento con la estética de los números, la belleza de un ritmo que fluye libremente con la belleza de un cuerpo geométrico regular. Con toda su sensibilidad a los contornos de Rublev nunca se niega a obligarlos a servir a la transferencia de volumen.

6.1.-La integridad de la imagen y proporciones.

La integridad de la imagen, y la subordinación de las partes al todo, son rasgos característicos de la pintura Rublev. En sus obras, la deformación de las formas y el alargamiento excesivo de las proporciones nunca son sorprendentes. Está limitado por el hecho de que facilita la forma, estrecha ligeramente las extremidades de los cuerpos. Esto ya se nota en sus primeros trabajos, y se conserva más tarde.

En la pintura de Rublev hay una suavidad femenina. Pero la claridad refinada de las formas da fuerza y firmeza a sus imágenes. El arte de Rublev es fundamentalmente lírico, pero no es el lirismo del nuevo tiempo, en el que la persona en busca de refugio se salva del mundo exterior. El lirismo de Rublev es la capacidad de respuesta del artista a lo personal. Por eso, como monumentalista, Rublev escapó de la fría solemnidad impersonal, a menudo inherente a las obras de los maestros bizantinos.

6.2.-El color

Rublev no solo fue un artista - poeta y pensador, sino también un pintor-colorista.
La coloración de Rublev no llama la atención por la riqueza de colores (a este respecto, Dionisio la supera), sino por la abundancia de varios registros coloridos. En los íconos de la Catedral de la Anunciación se utiliza el cinabrio brillante basado en la percepción de los íconos pequeños desde lejos.
En los tonos pastel de las miniaturas del evangelio Khitrovo, el amor de Rublev por el vidriado celestial estalla. Aparentemente por primera vez, el joven maestro tenía a su disposición un suave "repollo relleno", que más tarde se convertiría en su color favorito.

En los frescos de Vladimir (desde el momento de las víctimas) los valeros más sutiles, los medios tonos apagados, las modulaciones de madre perla prevalecen. Los iconos de la barbilla de Vasilyevsky están dominados por fuertes y sólidos puntos de colores. Pero algo de la ternura de los frescos se hace sentir en los tonos rosa, azul y dorado del rito Zvenigorod. Finalmente, en "Trinidad", un nuevo giro a los colores puramente abiertos, el predominio del precioso azul celeste.
El color posee un gran poder en Rublev incluso en tonos medios, pero nunca es denso, ni objetivo, ni pesado. Rublev rechaza el brillo de la luz cayendo sobre el color. El color en sí irradia luz de él, los colores se ordenan de acuerdo con su intensidad luminosa, de ahí la impresión del ambiente de luz que reina en su pintura y no permite la oscuridad. En el mundo del color y la luz en Rublev, respiramos libre y fácilmente.

Las pinturas de Rublev son hermosas, suaves y nobles. Pero nunca suenan, sino que cantan. Son percibidas como una expresión de algo más sublime que ellas mismas. Abren nuestros ojos a algo sin precedentes y por lo tanto atraen a ellas. El simbolismo del color sobre el que hablaron los bizantinos no es decisivo. Sobre su lenguaje convencional planea algo más generalmente entendido. Los colores puros y la luz expresan belleza espiritual. Su icono es una promesa, un anticipo de la dicha celestial.

7.-Teofanes y Rublev

Sin lugar a dudas, Theophanes fue el mayor maestro con quien Rublev tuvo que enfrentar su estilo propio. En primer lugar, se lo agradeció por su elevada concepción del arte, por su fe en las fuerzas creativas del artista. Esto no excluye el hecho de que hubo diferencias profundas entre ellos.
Las obras de Theophanes sorprenden con el poder de la tensión creativa y, no obstante, la perfección de su escritura pictórica limita con el virtuosismo. En las características artísticas de Theophanes hay algo del juego caligráfico con un pincel, de la disposición para aunar, como un milagro, el valor de sus valores predeterminados, la velocidad de ejecución y el equilibrio sabio de las formas.
Las obras de Rublev también encantan con su perfección, pero nunca con el arte del maestro, la impecabilidad de su trazo, la precisión de los trazos del pincel no nos hace olvidar que todo esto fue hecho por él. Alentado por el calor de su tierno corazón el arte de Rublev está maduro y tiene un rendimiento perfecto, pero tiene más suavidad y flexibilidad que los de Theofanes. El maestro griego transmite, por así decirlo, un instante, inmediatamente impreso en su memoria. Rublev prefiere los estados a largo plazo, la sensación de convertirse, la variabilidad, el crecimiento. En este sentido, Rublev profundiza en la comprensión de la esencia misma de la vida.

8.-Arte de Rublev en nuestros días.

El arte de Rublev causa en los espectadores modernos una genuina admiración. Antes de sus obras, nadie dirá que este arte es ingenuamente infantil, como los iconos de Novgorod, especialmente de la Escuela del Norte. En las obras de Rublev, nos enfrentamos a una gran madurez de pensamiento, con una alta excelencia de habilidad. Su arte ha absorbido la inmensa experiencia de la cultura centenaria de la antigua Rusia y, al mismo tiempo, ha mantenido un corazón sincero capaz de mover el corazón humano. Es más fácil para el artista contemporáneo en busca de inmediatez comprender la primitiva rusa antigua y acercarse a ella. El Arte de Rublev puede deleitarlo, pero es casi imposible seguirlo.

¿Qué hace que Rublev sea tan fascinante para nuestro contemporáneo? Por supuesto, no solo por su encanto personal, feliz regalo de un colorista y artesanía perfecta, sino también por algún tipo de verdad superior, disponible para él en el arte. Esta verdad es algo completamente diferente a la plausibilidad, a la semejanza de su icono con la realidad que todos ven en el mundo que lo rodea. Para entender y sentir las imágenes de Rublev es necesarios que el espectador anhele sueños sin precedentes, increíbles, irrealizables y, sin embargo, esos sueños, deseos imposibles, sueños brillantes, son necesarios para él, y sin ellos no estaría disponible lo grande y lo sublime.

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